Колыбель и кошка

Шеффилдское наводнение, обрушившееся на город в марте 1864 года нередко называли одним из ужаснейших бедствий Великобритании. Тогда рухнула дамба и долина реки Локсли оказалась затоплена. Поток унес жизни более чем двух сотен людей и уничтожил все на своем пути (или по крайней мере нанес сильный урон).
Именно после этого великого потопа Джону Эверетту Миллесу пришла идея написать картину под названием «Наводнение» (1870). Среди многочисленных газетных заметок были рассказы очевидцев о ребенке в колыбели, видимо вынесенным из дома стремительным потоком воды. «без отца, без матери бедный маленький путешественник мог быть обнаружен добросердечным джентельменом, который явился и согласился принять подкидыша в свою семью»

На картине ребенок только проснулся, не осознавая что происходит вокруг него – дитя смотрит вверх на капли дождя, падающие и стекающие вниз по веткам дерева. Сам вид ребенка кажется милым и трогательным, если бы не окружающая его обстановка: кувшин, проплывающий мимо колыбели (первоначально на ее месте должен быть поросенок, но по требованию первого владельца Миллес изменил картину), на заднем плане слева почти скрывшийся по водой мост.
Интересно что эти истории о ребенке в колыбели чудом выжившем при сильном наводнении имеет параллель с другим бедствием, случившимся в другой стране за четыре столетия до шеффилдского наводнения. 1421 год. Нидерланды. После сильного шторма мужчина отправившийся проверить дренаж, увидел что-то плавающее на воде. Когда это «что-то» приблизилось, он рассмотрел колыбель, но подумал что если в ней и лежит ребенок, то наверняка он уже мертв, ведь поток воды был слишком бурный. Когда колыбель оказалась совсем близко, оказалось, что кошка прыгает с одного из одного конца в другой чтобы удержать колыбель на плаву. В колыбельке лежала маленькая девочка, которая на удивление была жива и здорова несмотря на долгое и опасное «путешествие».

Волшебник. Джон Эверетт Миллес

Волшебник. Джон Эверетт Миллес. 1847 г.

Анонс: фильм "Уильям Тернер"

15 мая на Каннском кинофестивале состоялась премьера фильма "Mr Turner" (в русском варианте он будет называться "Уильям Тернер").
Главную роль исполнил Тимоти Сполл, а роль Джона Рескина - Джош МакГуайр.
Премьеру в кинотеатрах обещают в октябре.
PS. В этом кадре можно увидеть картину "Испанский джентельмен" четырнадцатилетнего Джона Миллеса

на стене съемной комнаты в "Пробуждении души" висит копия картины "Противоположные намерения" Фрэнка Стоуна

Пробуждение души

Картина «Пробуждение души» (или – более распространенный перевод – «проснувшаяся стыдливость») затрагивает неприличную с точки зрения викторианской морали тему женщины на содержании. Хант изобразил комнату, которой был придан вид «фатальной новизны», означающий, что жилье снято для девушки любовником-покровителем – Хант специально снял комнату в одном из «maison de convenance», проще говоря, в доме где мужчины могли беспрепятственно встречаться с любовницами.
Идея написания картины пришла Ханту после прочтения «Дэвида Копперфилда» Ч. Диккенса. Художник был впечатлен историей малютки Эмли, которая бежала за границу с богатым аристократом, якобы влюбленным в нее, но в итоге оказавшаяся в публичном доме. Но Хант не планировал делать иллюстрацию к роману – встреча племянницы и дяди, конечно, очень трогательна, но не смогла бы передать добровольное решение измениться и начать новую достойную жизнь.

Сейчас осень – об этом говорит отражение в зеркале на стене, но живой природы как таковой на картине нет. Только что пара музицировала – они пери романс «свет дней былых» на стихи Томаса Мура и в какой-то момент строки вызвали у девушки воспоминания о невинном прошлом и напомнили о двусмысленности ее положения. Мужчина раздосадован тем что приятное времяпрепровождение было так неожиданно прервано и не принял всерьез этот душевный порыв девушки.
Картина, как, впрочем, и все картины Уильяма Ханта, насыщена деталями, говорящими о положении девушки. Самая яркая, пожалуй, кот и птица, чьи позы напомниают позы мужчины и женщины. Прерафаэлиты часто вводили в картину изображения животных, чтобы подчеркнуть идею или намекнуть на дальнейшую судьбу героев. Птичке удалось ускользнуть из кошачьих лап, а значит судьба героини изменится к лучшему с этим духовным прозрением. Рядом лежит перчатка – намек на то, что чувства мужчины лишь кажутся искренними, но на самом деле, как только нынешняя любовница ему надоест, она будет отброшена ради другой. На полу лежит партитура романса «Бесполезные слезы» на стихи А. Теннисона, говорящая об утраченной невинности, смерти при жизни. 

Картину сопровождали цитаты из библии «как он снимает одежду в холодную погоду, так он поет песни печальному сердцу» . Художник писал, что эти «слова…вызвали желание показать как человек, способствовавший падению девушки, мог сам неосознанно оказаться посредником для передачи божественного послания» . Иными словами человек, толкнувший девушку на неверный путь и способствовавший ее падению, мог невольно оказаться причинной пробуждения стыда и нравственности.
Зрители не рассмотрели в картине ни религиозного подтекста, ни какого бы то ни было пробуждения души. Друзья-прерафаэлиты решили, что картина – великолепная сатира на современные нравы, что-то в духе «Карьеры проститутки» или «Модного Брака» Хогарта. Посетители королевской академии и критики не поняли (или просто постеснялись понять) замысел – в академической живописи падшие женщины изображались с осуждением, как раз и навсегда потерянные для приличного общества. Картина Ханта викторианским воззрениям никак не соотвтествовала, посему героев считали то поссорившимися мужем и женой (хотя именно обручального кольца на пальце женщины нет), то ругающимися братом и сестрой. Тогда Ханту пришлось, чтобы раскрыть духовный смысл, поместить в каталоге еще одну цитату из библии «укрепите ослабевшие руки и утвердите колени дрожащие; скажите робким душою: будьте тверды и не бойтесь; вот Бог ваш, придет отмщение и воздаяние Божие; Он придет и спасет вас».

Майское утро на башне Магдалины

На картине "Майское утро на башне Магдалины" У. Х. Ханта запечатлены юные хористы, поющие гимн Восходящему Солнцу в первый день мая.
Этот обряд восходит еще к языческим обрядам друидов, которые приветствовали первое майское солнце с возвышенности. В Оксфорде переняли эту традицию и каждый год 1 мая в 4 часа утра с Башни Магдалины звучит торжественный Hymnus Eucharisticus.
Хант не стремился точно воосоздать церемонию, потому картина выглядит несколько обобщенной - чтобы представить "дух красивой, примитивной и в широком смысле вечной службы"

"Мир Заключен"

«Мир заключен» - картина, изображающая семью, английского офицера, который читает в «таймс» новость об окончании Крымской войны.
Считается, что первоначально Милле собирался написать сатирическую картину. Первоначально планировалось изобразить избалованного привыкшего жить в комфорте офицера, которого отпустили домой из-за «срочных семейных дел» в то время как обычные офицеры вынуждены жить в далеко не лучших условиях в Крыму.
Но картина была дописана в 1856 году, когда война закончилась и сатира уже была бессмысленной. Потому Милле решил изобразить раненого офицера, отдыхающего в кругу семьи. Он полулежит на диване, у ног ирландский терьер. Жена обнимает его, а за фигурами супругов виден растущий мирт – символ вечной любви.

Дети играют с ноевым ковчегом – этот библейский сюжет очень популярен в Европе, а в викторианскую эпоху среди всех игрушек большой популярностью пользовались коробки-ковчеги с фигурками животных. Многие фигурки лежат в ящике, а три дети разложили на коленях матери. Это изображения петуха (галльский петух – Франция), медведь (Россия), лев (Англия) и индюшка (Турция). И девочка только что достала из коробки маленькую фигурку голубя – символ мира. Интересно что на платье женщины, прямо под фигурками Милле поместил красное цветовое пятно, напоминающее кровь.

Чудо благодатного огня глазами Уильяма Ханта

Уильям Хант увидел схождение благодатного огня в канун Пасхи 1855 года, во время своего первого путешествия на Восток, однако картина «Чудо благодатного огня» была создана спустя почти сорок лет, в 1893-1899 годах.
Хант изобразил момент когда благодатный огонь выносят из кувуклии и одну за другой зажигают свечи, однако его не интересует сама церемония, а скорее социально-этнографический контекст, в котором она совершается.

Взгляд художника – взгляд «глубоко английский и протестантский», а значит не признающий чудесную природу благодатного огня. Для него эта церемония накануне Пасхи – превращение подлинного религиозного чуда в фанатизм и – еще хуже – в безумное исступление и нехристианское бесчинство.
Сатирический «хогартианский» тон полотна был разъяснен для зрителя в каталоге, который был подготовлен для выставки в Новой галерее. Описание включало в себя объяснение церемонии, антологию свидетельств путешественников «на протяжении веков». Объясняя церемонию, Хант пишет, что большинство паломников «накопили средства за столько лет самоотречения», потому что по-детски наивно хотели увидеть это чудо как знак верховенства своей церкви. Однако художник признавался, что уважает Веру людей, которую содержит это чудо, но испытывает ненависть к духовной слепоте, эгоизму, насилию, в которые порой выливается церемония схождения благодатного огня – подтверждением тому воспоминания путешественников, которые подчеркивают безумства и буйство участников, совершенно не подходящие такому священному месту как храм Гроба Господня.
Сцены разворачивающиеся на этой странной заполненной человеческими фигурами картине – иронический комментарий на якобы священную церемонию, во время которой Божий дух нисходит на людей.
Первый персонаж – арабский мальчишка, путающийся убежать от солдат, которые хотят его арестовать за беспорядки и грабеж. А в правой части картины турецкие солдаты захватили юношу как одного из бунтовщиков, рядом его невеста, чьи серебряные украшения, возможно послужили причиной ареста. Позади хаоса, разворачивающегося на первом плане, взгляд не сразу выхватывает фигуру священника, который несет пламя, чтобы представители русской православной церкви зажгли от него свои свечи.
Справа – группа паломников, чьи позы почти в точности повторяют изображение смерти Христа (на стене церкви так же справа), а непосредственно перед гробом господним «благочестивый» пилигрим, изображающий распятие.
И словно в противоположность этой беснующейся толпе справа в самом углу, Хант изобразил смою семью – свою жену, которая отвернулась от происходящего и прижала к себе детей.
Чудо благодатного огня, таким образом, Хант показывает как смесь доверия, суеверия и фанатизма. Обряд схождения благодатного огня привлек Ханта как антрополога, исследователя чужих нравов и традиций, потому он делает живописный акцент не только на фанатичных участниках церемонии, но и на молодых священниках (на переднем плане слева), которые смягчают сатирический оттенок.

Bocca Bacciata

Название картины "Bocca Baciata" Россетти взял из «Декамерона» Боккаччо: «Целованные губы не утрачивают своей прелести, но наоборот обновляются как Луна» («Bocca baciata non perde ventura, anzi rinnova come fa la luna») – именно эта цитата была написана на обороте картины. Новелла, в которой она была приведена, рассказывает о сарацинской принцессе Алатиэль, которая, отправившись к своему жениху, мавританскому королю, была застигнута бурей, но была спасена. Словно трофей, она переходила из рук в руки людей разных сословий, но в итоге была возвращена отцу и ни о чем не подозревающему жениху .
Эта картина демонстрирует отказ от предыдущих идеалов: если первые картины Россетти («Юность девы Марии», «Благовещение») были близки к сакральным христианским произведениям, отличавшимся своей лаконичностью, то «Bocca Baciata» - произведение мирское, даже сладострастное.
При создании картины Россетти обратился к использованию растительной символики. В качестве основного мотива были выбраны цветы ноготков. На языке цветов, получившем большую популярность в викторианскую эпоху, эти цветы означали боль и отчаяние. На балюстраде в левом нижнем углу изображено яблоко, с одной стороны символизирующее плотское наслаждение и любовь, с другой - напоминающее о грехопадении Адама и Евы. Совершенно противоположное значение имеет белая роза в прическе героини – она свидетельствует о невиновности героини и о том, что случившееся произошло не по ее воле .
В технике живописи Россетти следовал за венецианскими мастерами Возрождения, в частности за Тицианом. Если в ранних работах Россетти использовал белую основу, то в «Bocca Baciata» он обратился к красному подмалевку, напоминающему о венецианских картинах. Сходство с Тицианом прослеживается и в стремлении как можно более реалистично написать фигуру. При работе над этой картиной Россетти большое внимание уделил написанию тела героини. В одном из писем он отмечал, что хочет написать плоть более полно, чтобы передать женскую красоту и чувственность .
Отзывы единомышленников и бывших собратьев Россетти были различны. Рескин отметил, что картина отличается «великолепной животной чувственностью» и назвал ее одним из лучших произведений эстетической школы. Хант же писал: «хоть на меня и произвело впечатление заметное мастерство исполнения произведения, его грубая и возмутительная чувственность тоже весьма заметна»

"Спи, бледная сестра" Джоанн Харрис

Аннотация обещала интересный сюжет: Викторианский Лондон, история, основанная на биографии Джона Рескина, взаимоотношения художника и его модели, и тайны, тайны, тайны...
Прерафаэлиты действительно упоминаются в книге, но я бы сказала, что их фамилии просто мелькают на страницах книги, видимо чтоб лишний раз напомнить читателю, что книга основана на их творчестве. Единственное что на меня произвело впечатление - интересная структура романа, построенная как расклад Таро.Читать только неудобно - повествование ведется то от лица художника, то от лица его жены, то от лица ее любовника.

В аннотации заявлено, что "Спи, бледная сестра" - это готический роман с якобы леденящим душу сюжетом.художник и его жена, которую он встретил еще маленькой девочкой и сделал своей моделью и стремился сделать из нее идеальную женщину (с собственной точки зрения): болезненную, подавленную, неживую. Чтобы жена была спокойной, он спаивает ее опиумной настойкой иногда в чистом виде три раза в день, иногда добавляя несколько капель в горячий шоколад или молоко. Художник не хочет прикасаться к собственной жене, чтобы та оставалась вечным ребенком с чистой душой и ходит по борделям, а жена тем временем встречается с любовником на кладбище. Добавьте к этому еще темные тайны из детства художника, наркотические видения… Мог бы выйти вполне себе интересный роман. Но получилось – повторюсь – скучно и занудно.
Не знаю, вина ли автора или переводчиков, но язык – очень однообразный. Во первых постоянно опиумная настойка, как мне показалось на слух (я слушала книгу в аудиоварианте) – через предложение или два. Это сделано чтобы подчеркнуть, как художник вдохновенно накачивает свою супругу наркотиками. И вот еще – выражение-паразит: «ее волосы/локоны рассыпались по подушке»… И никак иначе. Если героиня лежит, позируя для картины, или спит – почти обязательно встретится эта фраза.
Попробую объяснить и заодно рассказать про отсылки к прерафаэлитам. Они действительно есть. Авторесса, как указано, вдохновлялась биографией критика Джона Рескина.
Именно он стал прототипом Генри Честера, набожного художника, стремящегося воспитать из маленькой девочки свой Идеал и (уже позже) боящийся вступить в связь с собственной женой. Немного герой взял от Россетти – тоже по большей части самоучка, предпочитающий писать то, что ему лучше всего удается.
Эффи – его жена. В ней соединились два образа: Эффи Грей, жена Рескина, несчастливая в браке и ни разу не вступавшая в связь с супругом. Роза ла Туш, юная ученица Рескина, на которой он хотел жениться. Можно при желании найти и параллели с Лиз Сиддал, женой Россетти: болезненность и бледность, пристрастие к опиумной настойке и мертворожденный первенец.
В предисловии еще указано, что Харрис решительно и беспощадно обличает в своем романе двойственную викторианскую мораль. «Это должно быть интересно,» - подумала я. Но и тут разочарование! В своем стремлении обличить викторианскую мораль, Харрис обратилась к однобоким стереотипам. Поэтому и герои все как неживые. Да, те скандальные истории имели место быть, только вот духовный мир прототипов был куда сложнее, чем у книжных героев. Рескин в отличие от Генри Честера, который писал только «неживые портреты» своей жены (в основном сюжеты вроде «Спящей красавицы» или «Сна сестры») и разглагольствовал о религии и морали, был в высшей степени образованным человеком. Это раз. Два: проще конечно, навешать на героя (выдуманного и реального заодно) ярлыков, сделать его плохим, чем создать многогранный образ. Поэтому Генри Честер получился каким-то злобным бездушным педофилом. Ну и прочитавшие книгу и понявшие, что за именем главного персонажа скрывается художественный критик Джон Рескин, тут же приписали и ему черты вымышленного персонажа Генри Честера. Хотя, сдается мне, что он действительно любил свою ученицу Розу ла Туш, несмотря на то, что, да, разница в возрасте была очень большая. И мне всегда казалось что педофилия и платоническая любовь двух людей с разницей более чем 20 лет – это слегка разные вещи.
Еще, обратите внимание, что в романе Генри всячески подавляет свою жену. Хотя именно прерафаэлиты, те художники, которыми восхищается главгерой и чьи истории положены основу книги, одними из первых стали относиться к женщинам как к равным.

Клара и Сидония фон Борк

«Клара фон Борк» и «Сидония фон Борк» были задуманы Эдвардом Берн-Джонсом как парные. Сюжет взят из новеллы Вильгельма Мейнхольда «Монастырская колдунья Сидония фон Борк», переведенной на английский язык в 1847 г. . Согласно истории, Сидония была самой красивой и богатой девушкой в Померании. Когда пришло время выходить замуж, она возгордилась своей красотой и решила, что только герцог или князь достоин ее руки и отправилась ко двору герцога Померании. Один из семи князей влюбился в Сидонию и пообещал жениться на ней, но остальные князья уговорили его остановить свой выбор на принцессе Брауншвейгской. Сидония решила навсегда отказаться от замужества и ушла в монастырь, но вместо того, чтобы обратить свои мысли к богу, она изучала черную магию, а вместо Библии читала романы, в которых были описаны примеры мести за измену . Сидония изображена в профиль, с хищным взглядом обернувшейся на зрителя. Ее выражение лица настолько искажено злобой, что, несмотря на красоту черт, ее внешность скорее вызывает неприязнь, чем привлекает. В Сидонии фон Борк как нельзя лучше воплощен прерафаэлитский идеал роковой женщины, с одной стороны ставшей жертвой, с другой стороны сильной и ищущей отмщения за обманутые чувства.
Изображая Монастырскую ведьму, Берн-Джонс практически точно следует сохранившемуся в истории описанию: ее рыжие волосы убраны в сетку по моде XVI века - именно в это время жила аристократка Сидония фон Борк, чья история и была положена в основу новеллы.
Колдунья одета в платье, прототипом которого стал наряд Изабеллы Д’Эсте на портрете кисти Джулио Романо . 

Но верхнее платье напоминает не красивое плетение, как на оригинальном платье, а скорее клубок змей. Интересно, что Берн-Джонс не только заимствовал костюм, но и композицию в целом: в центре изображена главная героиня, на заднем плане пространство комнаты героини с дверным проемом, за счет которого передается глубина пространства.
 

Схожая композиция и у «Клары фон Борк», однако изображение отличается более ярким колоритом. Клара приходилась Сидонии двоюродной сестрой, потому некоторое сходство бесспорно, но лицо Клары выражает благочестие и невинность. Она изображена держащей в руках птенцов, пытаясь защитить их от черного кота своей кузины-колдуньи.

опера "Современные художники"

Прерафаэлиты однажды стали и героями оперы. Но к сожалению, пока не удалось найти не фотографий, ни арий - только краткое описание.
Мировая премьера оперы Дэвида Лэнга "Современные художники" состоялась 29 июля 1995 в Санта Фе Опера.
«Современные художники» (The Modern Painters) – так называется самая известная работа Рескина, состоящая из 5 томов и ставшая делом всей его жизни.
Опера посвящена трагедии Рескина – при своем блестящем уме, он не смог избежать путанницы в его собственной жизни – у него были трудные отношения с матерью, с женой и наиболее болезненным моментом стала привязанность к 13летней девочке, Розе ла Туш.

Намеренно продумана и структура оперы – она состоит из 2 актов, всего 7 действий. Это намек на еще одну легендарную работу Рескина «семь светочей архитектуры», в которой он определил 7 атрибутов, необходимых для создания совершенного произведения искусства: жертва, истина, сила, красота, жизнь, память и послушание. Проявление этих понятий можно заметить на протяжении всей оперы.
Опера охватывает события, происходившие с 1850 по 1900 гг.

Джон Рескин – баритон
Эффи Грей – сопрано
Джон Эверетт Миллес – тенор
Миссис Рескин – меццо-сопрано
Миссис ла Туш – сопрано
Роза ла Туш – немая роль
Мистер Рескин – бас
Мистер Грей – тенор
Миссис Грей – меццо-сопрано
Мастер, прораб – тенор
Судья - бас

Акт 1
Действие 1 Церковь в Лондоне. Рескин, Мастер, рабочие.
Рескин делает зарисовки церкви. Его замечают рабочие и начинают насмехаться над ним. В ответ в арии «Рабочие Англии, оглянитесь вокруг» Рескин просит их сравнить достоинства старинных церквей и тех, что строятся сейчас.
Действие 2. (в двух частях) свадебный банкет в доме Рескиных. Рескин, его родители, Эффи Грей, Ее Родители.
Отмечается свадьба в доме Рескиных. Миссис Рескин отмечает выгодное положение Эффи и составляющие счастья в браке в арии «Тушеная форель». Первая часть заканчивается тостом Джона «Я мечтал о женщине подобной ангелу».
Вторая часть действия посвященная брачной ночи. Эффи мечтает о новой жизни. «галереи днем, званые вечера до ночи – вот мой вариант искусства и жизни». Пока она ждет своего супруга, тот читает отрывок из своей книги, посвященный женскому совершенству, которое было воплощено в надгробии Илларии ди Каретто «Она лежит на подушке, у ее ног собака».
Сцена 3. Венеция Эффи, Рескин, Миллес
Приезжие поют фрагменты из «Камней Венеции» Рескина.
Становится заметным раскол в супружеской паре Рескиных. Джон рассуждает об искусстве, в то время как между Эффи, замечает Милле и между ними возникают чувства. Ария Эффи – «Ах, что за интересный мужчина». Когда рескины уходят, Милле остается наедине со своими мечтами.
Действие 4. Выставка прерафаэлитов 1850 года. Рескин, Милле, Эффи, хор.
Выставка, на которой были открыто провозглашены идеи прерафаэлитов. Хор исполняет арию, в которой поют о главных идеях Рескина, провозглашенных в «Современных художниках». После Эффи поет о ее несчастье. Рескин хвалит работы Милле. «Холодный взгляд, твердая рука, Милле, вы честь Англии». Милле поет о своем затруднительном положении и чувствах к Эффи.

Акт 2
Действие 5. Похороны Тернера. Много лет спустя. Рескин, Эффи, Милле, судья, хор.
Женский хор поет о свете. Рескин слышит эту песню и вспоминает свою жизнь «Я изобрел формулу, с помощью которой можно понять мир и все в нем». Он вспоминает о событиях своей жизни, суде с Уистлером 1878 года, который обвинил Рескина в том, что он «бросает банку краски в лицо общественности». Прийдя в себя, он замечает Розу ла Туш «Может ли это быть реальностью? Такое нежное лицо и ангельская грация».
Действие 6. Мастерская Милле. Милле, Эффи, миссис Ла Туш, Роза ла Туш.
Эффи и Милле живут в браке. У них уже 7 детей. Милле поет о своеих взглядах на жизнь «Что же теперь хорошего в мировой известности на протяжении сотни лет?». В то время как Эффи рассказывает детям сказку «Дама Виггинс из Ли была достойной старой душой». Миссис ла Туш приносит новость о желании Рескина жениться на ее дочери.
Эффи поет о мести.
Действие 7 чайный домик мистера Рескина. Рескин, ученик, хор.
Рабочие приходят послушать лекцию Рескина о красоте. Он поет о том, что заводы и дым оскверняют пейзаж Тернера «Что еще нужно современному городу?». Рабочие поют о своем отчаянии. Впадая в безумие, Рескин вдруг обнаруживает что он остался один. Опера завершается тем, что Рескин поет финальную арию о том, что он надеялся достичь в своей жизни «Я хочу слышать вселенную и звуки облаков».

"Слепая": надрывная радость

Картину "Слепая" Д. Э. Миллеса невозможно воспринимать однозначно: с одной стороны, она напоминает занимательные жанровые сценки, популярные в викторианскую эпоху, с другой – наполнена символами и затрагивает важную проблему своего времени – проблему детей бродяг и инвалидов.
На полотне изображены две сестры, отдыхающие под безоблачным небом. Младшая наслаждается природой после дождя и радугой, а старшая не может увидеть красоту ландшафта поскольку лишена зрения.
Голова старшей сестры немного поднята: хотя она и слепа и не может видеть, но может ощущать запах влажной травы и недавно прошедшего дождя. Одной рукой она поддерживает свою сестру, другой ощупывает влажные травинки.
Выражение лица старшей сестры одухотворенное и стремящееся почувствовать жизнь вокруг себя более полно, резко контрастирует с внешним видом. Ее одежды оборваны – Миллес тонко прописывает все детали – прорех, грязь, заплатки на вылинявшей юбке. На плаще слепой сидит бабочка – хотя ее крылья окрашены в те же тона, что и одежды девушки, бабочка оживляет полинявшую ткань. Но, вероятнее всего, насекомое выполняет не только декоративную, но и символическую функцию. Бабочка всегда считалась символом изящности и красоты, а потому может свидетельствовать о том, что девушка, несмотря на физический недостаток и бедность, обладает высшей духовной красотой.
Фон картины, изображающий сельскую местность также наполнен многообразным и неоднозначным значением. С одной стороны зритель не может не заметить стайки воронов, которые считаются предвестниками гибели и будто намекают на возможную судьбу героинь. С другой стороны небо осеняет двойная радуга – которая в Европе считается хорошей приметой и символом надежды. Но в данном случае только одна из героинь может ее увидеть, для второй же все надежды могут оказаться бессмысленными. Известно что Миллесу приходилось перерисовывать изображение радуги, после того как он обнаружил, что изобразил ее неверно с научной точки зрения.
Слепая» впервые была выставлена в королевской академии в 1856 году, а годом позже в ливерпульской академии искусств. «Слепая» была удостоена приза в Ливерпуле и получила положительные оценки зрителей. Так Россетти писал: «это одна из самых трогательных и замечательных вещей, которые я знаю». А характерные для картин прерафаэлитов яркие цвета и равномерное освещение дали повод Джону Рескину сравнить ее с византийскими эмалями.

Вышитые творения Мэй Моррис

Одной из важных фигур была младшая дочь Морриса – Мэй, с 1885 г. возглавлявшая отдел вышивки. Во многих исследованиях ее талант часто остается в тени имени отца – одной из ключевых фигур прерафаэлитизма второго поколения.

Тем не менее, именно Мэй Моррис сыграла большую роль в воскрешении искусства т. н. «вышивания в свободной форме», или свободной глади (художественной глади). В конце XIX в. появились вышивальщицы с ярким индивидуальным стилем, создававшие свои работы не по схемам из альбомов по рукоделию, а по собственным эскизам.

Процесс заключался в нанесении на ткань контура рисунка, который затем заполнялся стежками в виде тонких штрихов. Чередование длинных и коротких стежков как нельзя лучше имитировало светотень и передавало фактуру изображаемых объектов. Представители движения «Искусства и ремесла» полагали, что свободная вышивка, в отличие от счетной наилучшим образом способствует самовыражению ее создателя. В вышивании использовалась шелковая нить, окрашенная натуральными красителями, таким образом, воссозданная техника резко контрастировала с популярной в 19 веке берлинской шерстяной вышивкой.
Кроме того Мэй Моррис принимала активное участие в работе Королевской школы художественного вышивания, открытой в 1872 г. под покровительством принцессы Елены, третьей дочери королевы Виктории. Первоначально в ней обучались 20 человек, но вскоре количество учениц выросло до 150. Женщины, обучавшиеся в этой школе, осваивали различные техники и работали в королевской мастерской, создавая работы для важных событий, связанных с королевской семьей, а также для соборов и храмов.

Две Матери

Данте Габриэль Россетти. Две матери. 1851 г.
Первоначально в 1850 Россетти задумал полотно на сюжет из поэзии Роберта Браунинга, но затем уменьшил формат картины, оставив только женскую фигуру.
В первом враинате женщина была изображена за чтением томика итальянской поэзии, позже художник добавил фигуру девочки и стутэту Богоматери с младнецем, чтобы придать картине сентиментальный оттенок.

Половина луны

Половина Луны… Равновесие зыбко!
Похудеет Луна или пустится в рост?
Половина Луны - как сквозь слёзы улыбка.
В ней и горе, и радость - вперемешку, внахлёст!

Ах, не так ли и жизнь - та же полуошибка,
То ли полуответ, то ли полувопрос.
Наше счастье, созрев, вдруг становится зыбко…
Наша боль, лишь утихнув, вновь пускается в рост.
(Кристина Россетти в переводе Марии Лукашкиной)

 Э. К. Берн-Джонс. Ночь. 1870

Э. К. Берн-Джонс. Луна.

Э. К. Берн-Джонс. ночь. 1870

Э. К. Берн-Джонс. Звездные Нимфы. 1896 г.

Э. К. Берн-Джонс. Звездная нимфа.

Э. К. Берн-Джонс. веспер (вечерняя звезда). 1872

"Портрет четы Арнольфини" и картины прерафаэлитов

Картина пятнадцатого столетия "Портрет четы Арнольфини" кисти Яна ван Эйка была приобретена Национальной галереей в 1842 году. Должно быть, этот образец искусства северного возрождения произвел большое впечатление на прерафаэлитов: некоторые элементы то и дело возникают на их картинах. Наиболее явный (и часты мотив) - круглое зеркало, висящее на стене.

Э. К. Берн-Джонс. Портрет Маргарет, дочери художника

У. Х. Хант. Леди Шалотт. 1905

У. Х. Хант. il dolce far niente. 1859-66 

Э. К. Берн-Джонс. Прекрасная Розамунда и королева Элеанор. 1862

Гугеноты на картинах Д. Э. Милле

Картина «гугенот в день святого Варфоломея, отказывающийся носить надеть римско-католический знак, который защитит его от опасности» (обычно используется сокращенный вариант – «гугенот» или «гугенот в день святого Варфоломея») была написана Джоном Эвереттом Миллесом 1852 году.
На создание картины мастера вдохновила опера Джакомо Мейербера «Гугеноты». В основу либретто легла повесть Проспера Мериме «Хроника времен Карла IX», рассказывающая о религиозной войне между католиками и протестантами. Непримиримая вражда затронула судьбы двух влюбленных: гугенота Рауля де Нанжи и католички Валентины де Сент-Бри. Именно их тайное свидание накануне кровавой ночи запечатлел Миллес.
Сцена, которая на первый взгляд может показаться безутешными объятиями, на самом деле попытка девушки заставить своего возлюбленного надеть белую повязку – отличительный знак, означающий преданность римско-католической церкви. Молодой человек то же рукой, которой он обнимает девушку, осторожно тянет повязку.
Этот сюжет навеян событиями, известными как варфоломеевская ночь, когда католики устроили массовую резню гугенотов в Париже. Она произошла спустя 6 дней после свадьбы Маргариты де Валуа и протестанта Генриха Наваррского, из-за которой многие гугеноты прибыли в Париж.
Первоначально Милле хотел просто изобразить пару влюбленных, но старший товарищ и собрат Уильям Холман Хант уговорил его, что это слишком банально. В результате, услышав оперу Мейербера Милле решил изобразить сцену именно так, как мы видим ее в окончательном варианте.
Харатерная деталь живописи Милле тех годов – использование популярного в викторианскую эпоху языка цветов. С края изображен голубой колокольчик, который символизирует веру и постоянство.

К теме Варфоломеевской ночи Милле вернулся спустя много лет – в 1876 году он создал полотно «День Святого Варфоломея». Милле показал две стороны католичсетва – с одной стороны монашеское благочестие, с другой – преданность церкви, во имя которой можно убить.
Здесь же символы страстей Христовых – цветок страстоцвет (цветки с острыми лепестками олицетворяют терновый венец, тычинки - раны, а рыльце -гвозди, которыми был распят Иисус) и распятие на стене.

Ад Данте: частная жизнь Данте Габриэля Россетти, поэта и художника

фильм Кена Рассела "Ад Данте: частная жизнь Данте Габриэля Россетти, поэта и художника" 1967 года  посвящен, как вы уже вероятно догадались, взаимоотношениям Россетти и его возлюбленной, жены и музы Элизабет Сиддал.

Как отмечают, «Ад Данте» снят очень в духе прерафаэлитских картин. Некоторые сцены снимались именно в тех местах где прерафаэлиты писали свои картины и делали наброски (например «Офелия» Милле). Также рассел вдохновлялся немыми фильмами (в основном комедиями) и экспрессионистскими фильмами ужасов).

Иллюстрации Д. Г. Россетти к стихам Э. А. По

"Спящая" 1846-47 гг.

"Раскрыв окно на мир ночной,
Айрина спит с своей Судьбой"
Стихотворение воссоздает образ девушки, которая заснула у открытого окна, причем на протяжении всего повествования автор держит читателя в неведении: сон ли это? или смерть? И только из последних строк становится ясно что героиня заснула, но вечным сном:
"Над ней восстанет свод огромный,
Свод черной и глухой гробницы,
Что раскрывал, как крылья птицы,
Торжественно врата свои
Над трауром ее семьи"

 Иллюстрация к стихотворению "Улалюм".1847-48 гг.
Поэт и его душа в виде крылатого существа путешествуют среди кипарисов в "ведьм любимой области - Уир" и находят могилу Юлалюм, возлюбленной поэта в годовщину ее смерти. в одном рисунке Россетти соединил два эпизода стихотворения: в одном странник идет, разговаривая со своей душой, во втором душа уговаривает его повернуть назад:
Я не верю звезде, что вдали!
О спешим! о бежим! о скорее!
О бежим, чтоб бежать мы могли!»
Говорила, дрожа и бледнея,
Уронив свои крылья в пыли,
В агонии рыдала, бледнея
И влача свои крылья в пыли,
Безнадежно влача их в пыли.

Иллюстрации Данте Габриэля Россетти к "Ворону" Э. А. По

Творчество американского писателя романтика Эдгара Аллана По в немалой степени повлияло на творческий путь Данте Габриэля Россетти, и в живописи и (особенно) в литературе.

О, как жаждал я рассвета, как я тщетно ждал ответа
На страданье без привета, на вопрос о ней, о ней —
О Леноре, что блистала ярче всех земных огней, —
О светиле прежних дней.
(Э. А. По. Ворон в переводе Бальмонта)
В поэме неназванный рассказчик оплакивает свою возлюбленную Ленор и тщетно пытается заглушить воспоминания за чтением книг. В полночный час раздается стук в окно, и когда рассказчик открывает его, в комнату заходит ворон и взлетает на бюст Афины Паллады. Рассказчик, которого поначалу позабавил комичный вид птицы, начинает с ней разговаривать, задавая вопросы о утраченной любви. Но ворон повторяет лишь одно слово "Никогда" (Nevermore).
Тема возлюбленных, разлученных смертью с юношеских лет притягивала внимание Данте Габриэля и удивительным образом события, описанные в "Вороне" как будто эхом отразятся на судьбе самого художника.

Известны четыре иллюстрации, самая ранняя из которых датирована 1846 годом. На ней рассказчик изображен в кругу призраков и гоблинов. Некоторые из духов держат в руках кадила:
Но постой: вокруг темнеет, и как будто кто-то веет, —
То с кадильницей небесной серафим пришел сюда?
В миг неясный упоенья я вскричал: «Прости, мученье,
Это Бог послал забвенье о Леноре навсегда, —
Пей, о, пей скорей забвенье о Леноре навсегда!»
Каркнул Ворон: «Никогда».
Возможно рисунок был создан под влиянием французских иллюстраторов таких как Делакруа и Гаварни. мотив круга духов мог быть позаимствован у Теодора фон Хольста, чьи картины по духу соответствовали произведениям По.
Более поздние работы изображают рассказчика сидящего в кресле при свете лампы и взирающего на шествие Серафимов (или призраков в образе Леноры?), что более соответствует тексту поэмы.

"Видение Фьяметты" Д. Г. Россетти

Картина «Видение Фьяметты» была создана Данте Габриэлем Россетти в 1878 году. Источником вдохновения для художника послужил сонет Джованни Бокаччо:
Ее ланиты - розы, кудри - злато,
и огненный над ними ореол,
что в облачко внезапно перешел,
сверкавшее, как не сверкает злато.

И, словно жемчуг, что оправлен в злато,
казалось, ангел в облачко вошел
и крылья белоснежные развел,
покрыт сапфирами, одетый в злато.

И за мою Фьямметту был я рад,
затем что, как нетрудно догадаться,
была мадонна к богу на пути,

а я остался, мукою объят,
здесь, весь в слезах, чтобы конца дождаться
и в край блаженных душ за ней взойти.

На картине Фьяметта (модель Мария Спартали Стиллман) – возлюбленная и муза Бокаччо, правда до сих пор неизвестно является ли она вымышленным персонажем или же это имя под которым скрывалась аристократка Мария Д’Аквино, предполагаемая незаконнорожденная дочь короля Роберта Неаполитанского.
Фьямметта одета в платье огненного цвета, которое намекает на значение ее имени – «огонек», создается ощущение, будто фигура светится на темном фоне, а голова окружена золотым ореолом.
Ветви яблони вокруг нее символизируют быстротечность красоты, а бабочки – символ души.
Фьямметта, как некогда beata Beatrix, изображена в момент между жизнью и смертью и к ней тоже прилетела красная птица – «посланник смерти»
На раме Россетти поместил три стихотворения: сонет Бокаччо «Последний взгляд на Фьямметту», перевод и свое собственное стихотворение, обращенное к картине.

Возьмите вашего сына, сэр!

"Возьмите вашего сына, сэр!" - пожалуй, одно из самых загадочных полотен прерафаэлитов. Начатое в 1851 году, оно так и осталось незаконченным.
Первоначально Форд Мэдокс Браун планировал создать портрет своей будущей супруги Эммы Хилл. спустя несколько лет Браун совершенно изменил композицию, взяв за основу традиционное изображение Мадонны с младенцем Христом. Но какой же замысел художник скрыл в своем произведении?
На этот счет у исследователей есть две противоположные точки зрения:
Первая - Триумф материнства. Художник действительно изобразил на картине себя, Эмму и их сына Артура. В таком случае можно предположить что перед нами предстает мать, демонстрирующая мужу и зрителям долгожданного наследника. "Возьмите вашего сына, сэр!" - лишь просьба подержать младенца, чтобы было удобнее надеть на него ночную рубашку, пока служанка (ее силуэт - слева - так и остался едва намеченным) приготовит колыбель.
Но все ли так просто? Возможно, что Форд Мэдокс Браун решил изобразить реалии "неправильного семейного положения". Проблемы внебрачных связей были знакомы художнику, а двое его детей, Кэтрин и Арутур были рождены еще до того как его отношения с будущей супругой были узаконены.
Женщина на картине, отнюдь не прекрасная мать, нежно прижимающая к себе крошечное новорожденное дитя. Она не рада, а скорее утомлена - на щеках рдеет болезненный яркий румянец, который напоминает скорее грим (который ни одна благовоспитанная женщина не позволит себе нанести ни в дневное время, ни для вечернего выхода в свет). Любопытно и то, что муж и жена находятся по разные стороны картины - она бесстрастно взирает с холста, он лишь смутно отражается в зеркале на стене. Можно предположить что эта женщина живет на содержании, а не состоит в законном браке с отцом ребенка. Но к мужчинам, имевшим любовниц общество относилось довольно терпимо (хотя и были осуждения), женщина же считалась навеки потерявшей свой путь в жизни, а ребенок превращался в обузу для общества.
При этом по-прежнему сильны были религиозные идеалы, а согласно им материнство свято. И получалось, что викторианская содержанка, родившая ребенка вне брака - это падшая святая. Эта двойственность подчеркнута с помощью традиционных символов: звезды - знак высших духовных сфер, ореол вокруг головы женщины - символ святости. Но в действительности они оказываются ненастоящими - нимб становится простым круглым зеркалом, а звезды на темном небе - всего лишь обоями. Так и в жизни этой женщины людские предрасудки окажутся сильнее религиозных представлений о святости материнства.